« Une peinture n'est pas la repre sentation d'une expe rience. C'est l'expe rience me me. » Mark Rothko Mark Rothko, apre s son installation aux E tats-Unis, commence a peindre au de but des anne es 1930. Si ses oeuvres figuratives du de but sont marque es par l'influence de la mythologie antique et du surre alisme, il s'oriente de s les anne es 1940 vers une esthe tique abstraite avec sa se rie des Multiformes, puis celle des Classiques et des Black and Grays.
Ses couleurs sature es aux formes flottantes et expansives invitent a une expe rience sensible, tactile, laissant au spectateur sa part de cre ation dans l'oeuvre. Cette vision du peintre aspire a un langage universel s'adressant a tous, loin de l'intellectualisation et des processus techniques de re alisation.
Derrie re un apparent myste re et un caracte re insaisissable empreints de spiritualite , ses toiles convient par leur impact e motionnel a interroger l'horizon de nos origines, de notre destine e, de notre existentialite .
« Les oeuvres de Rothko sont des tableaux vivants ! C'est un art habite par l'observateur, anime et constamment revivifie par des vivants. » (Christopher Rothko)
Chiens rassemble 200 dessins de Jochen Gerner conçus dans la lignée de son étude sur les oiseaux parue en 2021. Usant d'une technique similaire, le feutre à encre de Chine pigmentée sur des cahiers d'écoliers, cette nouvelle série de dessins poursuit l'expérimentation graphique visant à explorer les potentialités de la trame dans la représentation des textures. De simples formes souples quasi-abstraites, ponctuées de deux ou trois points (oeil et truffe), composent les silhouettes de chiens des premiers dessins de cette collection.
Poursuivie sur plusieurs mois, elle dresse aujourd'hui un inventaire varié de races canines, réelles, semiréelles ou chimériques. Trames, traits, réseaux de lignes, nuances, taches et masses, l'espèce offre un catalogue de variations graphiques infinies.
300 femmes peintres d'exception sur près de cinq siècles réunies dans un seul ouvrage.
Livre événement, qui fait suite au succès de 400 femmes artistes publié par Phaidon, 300 femmes peintres s'attache à dévoiler une version plus riche et plus diversifiée de l'histoire de la peinture. Couvrant près de 500 ans de technique et d'innovation, cette étude célèbre le travail de plus de 300 femmes artistes, des noms emblématiques de l'histoire de l'art aux figures montantes de l'art contemporain.
Oiseaux est une volière réunissant près de 200 dessins réalisés par Jochen Gerner entre février 2019 et septembre 2020. Chacun de ces oiseaux a été dessiné au feutre à encre de Chine pigmentée sur des cahiers d'écoliers petit format, originaires de Chine et d'Inde, sur lesquels apparaissent des lignes et carreaux de différentes tailles.
Cette série de dessins constitue une expérimentation graphique visant à explorer les potentialités de la trame, la superposition des traits, et l'association d'un nombre réduit de couleurs dans la création des plumages. En mêlant oiseaux rêvés et réels, cet inventaire interroge les liens entre imaginaire et réalité dans notre vie quotidienne, et nous enseigne que le fantastique se niche le plus souvent dans la réalité du quotidien.
Dans le cadre de cette recherche graphique, Jochen Gerner s'est inspiré du travail de certains illustrateurs du XVIIIe siècle comme celui de François-Nicolas Martinet, qui avait pour habitude de représenter les oiseaux de profil, leur afférant ainsi un caractère noble et raide, contrastant avec la force et l'aspect lumineux des couleurs
Depuis deux décennies, le dessin suscite un intérêt grandissant auprès du public, des institutions et des artistes. Dépassant le cadre de l'es¬quisse et du croquis, il constitue un art à part entière et se déploie sur de multiples surfaces.
Présentant le travail de 80 artistes - femmes et hommes - contem¬porains, Barbara Soyer dresse dans ce livre un panorama surprenant et varié du médium. L'ouvrage multiplie les approches et donne de l'espace à des voix plurielles, qui traduisent la liberté et la richesse du dessin contemporain.
Dessins préparatoires, autonomes, figuratifs, abstraits, quasi photo¬graphiques, picturaux, en volume, en noir et blanc ou en couleurs ; tra¬vaux à l'encre, au pastel, à l'aquarelle ou à la gouache ; oeuvres sur papier, toile, carton, mur ou textile : les créations dévoilées dans ce livre disent toutes quelque chose de ce que sont le dessin et le monde d'aujourd'hui.
Bloom est un livre circulaire dont les pages s'ouvrent comme des pétales et font apparaître un délicat bouquet de fleurs. Couleurs vives et pastel, superpositions : il suffit de déployer l'ouvrage de Julie Safirstein pour entrer dans un jardin poétique et chromatique. Ce livre pop-up tout en plis fait appel au jeu et à l'imagination.
Ce nouveau "Cahier de la Collection Lambert", un numéro double, bilingue français-anglais, est consacré à Cy Twombly (après ceux consacrés à Niele Toroni, Nan Goldin, Rob Ryman, Sol Lewitt), artiste américain parmi les plus reconnus, dont le travail est particulièrement bien représenté dans la Collection Lambert, témoignant de la complicité entre l'artiste et le collectionneur.
La Collection Lambert est le témoignage d'un marchand visionnaire, qui s'est passionné pour l'art minimal, l'art conceptuel et le land art avant de s'intéresser au retour de la peinture dans les années 1980, puis à la photographie, à la vidéo et aux installations dans les années 1990 et 2000.
Unanimement salué comme l'un des plus grands peintres de la seconde moitié du XXe siècle, Cy Twombly reconnecte l'héritage de l'expressionisme abstrait américain avec les origines de la peinture classique occidentale. Il accorde une importance capitale aux cycles et aux séries dans lesquels il réinvente, à sa manière, la grande peinture d'histoire.
Exposition au Centre Pompidou à partir du 30 novembre 2016
Cet ensemble de 50 dessins a été réalisé entre août 2019 et juin 2020. Réinterprétations graphiques frôlant l'abstraction, ces dessins à l'encre de Chine noire prennent pour support de recouvrement deux chapelets de cartes postales touristiques du massif vosgien (les Hautes-Vosges et le Hohneck, circa 1920) et un ensemble de photographies de la Cordillère des Andes et des Alpes, issu de récits d'expéditions en montagne (circa 1950).
Alt. pourra être lu comme l'abréviation du mot "altitude" ou comme une référence à la touche "alt" , la touche alternative des claviers d'ordinateur. Jochen Gerner
Cette première monographie de l'artiste française installée à Los Angeles, célèbre pour son approche figurative et engagée dans laquelle le corps est le sujet central, présente une large sélection de ses oeuvres (de nombreuses peintures et dessins présentés sur des papiers différents, et quelques sculptures) ainsi qu'une douzaine vues d'exposition. Elle est accompagnée de deux textes critiques originaux écrits par Anna Katherine Brodbeck et Annabelle Teneze, ainsi que de douze citations choisies par l'artiste (Jorge Luis Borges, Alice Neel, Pierre Guyotat, Georges Bataille, Marguerite Yourcenar, Sebald, Oscar Wilde, Adonis, Agnès Martin...) qui ouvrent chacune des parties.
Au sommaire de Roven n° 17 : entretiens avec Mira Schor par Julie Enckell Julliard, avec Katrin Strobel par Hélène Guenin (suivi d'une carte blanche à l'artiste), avec Paul Maheke par Marcelline Delbecq, avec Éric Watier par Alex Chevalier, sur la Collection Ramo avec Irina Zucca Alessandrelli par Joana P. R. Neves ; dessins inédits d'Ulla von Brandenburg ; texte sur le dessin partagé par Laurence Schmidlin ; focus sur un dessin de Ghérasim Luca par Alexandre Leger ; portfolio de suivi d'un entretien Kamil Bouzoubaa-Grivel avec Guitemie Maldonado ; articles monographiques sur Ketty la Rocca par Catherine Macchi, sur Rokni Haerizadeh, Ramin Haerizadeh et Hesam Rahmanian par Madeleine Mathé, sur Natalia Jaime-Cortez par Camille Paulhan ; dessins de Mazarine Spinosa ; contributions artistiques de Sylvie Sauvageon, Olivier Garraud, Nicolas Aiello et Sally Bonn.
L'ouvrage publié par les éditions Dilecta se concentrera donc sur ses séries récentes de peintures et se déploira autour de trois corpus d'oeuvres: les Vision Paintings, les Recovery Works et les California Love Songs; associés à des citations de l'artiste et à la reproduction d'un de ses carnets. Chaque série de tableaux sera accompagnée de son propre texte dont les paroles d'une chanson de Nick Cave, spécialement composée pour Thomas Houseago et un texte de Flea, membre des Red Hot Chili Peppers.
Depuis toujours Ronan Bouroullec dessine quotidiennement. Une pratique artistique pure qu'il juge autonome du métier pour lequel il est internationalement reconnu. Mais s'il existe une porosité entre ces deux faces de son activité qui se nourrissent l'une l'autre, Ronan Bouroullec considère le dessin comme indispensable à son équilibre. L'ouvrage Fièvre accompagne l'exposition « Dessins quotidiens », l'Hôtel des Arts TPM à Toulon. Avec près de 300 oeuvres (dessins, bas-reliefs et carnets) présentées, il révèle une petite part, encore peu connue, de son talent créatif. Une part infime au regard des milliers de dessins qu'il conserve tous, mais suffisamment riche pour éclairer cette facette très intime de la personnalité de l'un des designers français les plus talentueux de sa génération.
Ouvrage de référence et leçon de méthode, cette étude du modernisme depuis Picasso et Matisse jusqu'aux peintres abstraits a permis de renouveler la pensée picturale contemporaine en redéfinissant ses modèles théoriques. Un travail d'une grande importance pour l'historiographie de l'art, traduit pour la première fois en français.
Publié aux États-Unis en 1990, La Peinture comme modèle est vite devenu une référence pour tous ceux qui veulent comprendre l'histoire du modernisme. Qu'il s'agisse des « totems de la modernité » (Picasso et Matisse) ou des maîtres de l'abstraction (Mondrian et le mouvement De Stijl, Strzeminski et Kobro, Newman, Ryman), la force plus que jamais actuelle de ces pages, nourries par une connaissance intime des oeuvres et de la littérature qui leur est associée, est de proposer une approche formelle sans en passer par la doxa formaliste. À ce titre, nombre d'analyses publiées dans ce volume sont de véritables leçons de méthode pour les historiens de l'art et des outils indispensables à la compréhension de leur discipline. La pensée picturale s'y révèle un opérateur théorique, producteur de modèles.
Disponible pour la première fois en français, ce livre est donc aussi une ré?exion en acte, une réponse à deux questions essentielles et conjointes : qu'est-ce que regarder ? comment écrire l'histoire ?
Artiste clairvoyant et passeur de l'art moderne de Paris à New York, Marius de Zayas est au coeur du bouleversement artistique du début du XXe siècle. Le photographe Alfred Stieglitz le repère et l'associe à son travail de galeriste, d'éditeur et de défricheur d'art nouveau. Picabia le caricature, Apollinaire le publie et Picasso l'éblouit tant que de Zayas organise la première exposition de ses oeuvres à New York. Grâce à lui, le public américain découvre l'art nègre « le sens même de la peinture » selon Picasso. Son effervescence intellectuelle et sa culture font de lui un homme de La Renaissance.
Soixante ans après sa disparition, deux livres rassemblés en un coffret restituent l'oeuvre et la vie romanesque de ce caricaturiste au regard aiguisé, marchand d'art enthousiaste et peintre inspiré, peu soucieux de sa notoriété.
Elles peuvent être petites ou grosses, de rousseur ou d'encre, vertes, rouges bleues, elles peuvent s'effacer ou être indélébiles. Bref des taches il y en a partout et de toutes sortes ! Rarement appréciées des parents, elles font la joie des tout-petits et des artistes.
De Miró à Pollock en passant par Dubuffet ou Saint Phalle, ils ont tous été fascinés par ce procédé artistique refusant toutes règles, allant jusqu'à transformer leurs taches en de véritables chefs-d'oeuvre !
Ce cahier d'activités offre aux plus jeunes un espace où barbouiller et tacher deviendra source de création ! Faire de taches de véritables chefs-d'oeuvre c'est tout un art ! L'enfant sera guidé au fil des pages par des consignes pas à pas qui l'aideront à appréhender les techniques et à créer ses propres outils. Tout un programme, tâchez d'être créatif !
An artist's book of "social science fiction" presenting new work and writing by Richard Prince.
Richard Prince (born 1949) continues his revival of the Fulton Ryder imprint with an artist's book that is both a monograph of new artworks and an expansive written statement on art history, personal biography and the contemporary impulse to create self-images. At first glance, the New Paintings are in a similar vein as Prince's New Portraits. However, unlike that series, the New Paintings focuses on portraits of painters painting on Instagram, very often with back to the camera, facing away from the viewer. The resulting images are ambiguously manipulated; the series is self-described as an act of "social science fiction." The image captions, integral to the artwork, contain a dense "Bird Talk" text, including ambiguous autobiography and art history commentary.
Joan Katz offers some explanation in a comment found in a New Painting, stating: "Deep Nostalgia. Legitimate Doubts. Safeguards to prevent misuse. Digital imitation. Resemblance without manipulations. Skilled impersonations. Staged illusions. Imitation of Life (the sequel). It's difficult to know if it's new or just another resurrection. #post_place."
A miniature manifesto for the endless possibilities of the book form, from the world's most famous living book designer.
In Book Manifest, world-renowned Dutch designer Irma Boom presents her vision on the essence, meaning and relevance of the book. Based on the in-depth research that Boom conducted into the development of the book in the library of the Vatican, Book Manifest is at once a survey of the history of the book and a miniature Irma Boom retrospective, reproducing a selection of more than 350 books she has designed over the course of her eminent career. Alongside reproductions, Boom extensively discusses the relationship between her work and older book forms.
With this tiny (two and a half by three inches), slipcased, 1,000-page, richly illustrated volume, itself an exceptional feat of bookmaking, Boom aims to inspire and encourage a new generation of designers to experiment and develop new ways of conceiving this simplest and most enduringly effective of forms.
Described by Eye Magazine as "the Queen of Books," Irma Boom (born 1960) has created more than 300 books, always challenging the conventions of both design and printed content. She is the youngest recipient of the Gutenberg Prize, recognizing outstanding services to the advancement of the book arts. A selection of Boom's books are held in the permanent collection of the Museum of Modern Art, New York, and an Irma Boom Archive has been instituted at the University of Amsterdam, Netherlands, to showcase her work.
American PrayerRichard PrinceSous la direction de Robert Rubin et Marie Minssieux 17 mars 2011[Mars 3]Chrono : 122888Rayon : Beaux-ArtsCollection : Catalogue d'expositionRelié, 30x30 cm244 pages, 250 ill.Prix : 39 eurosISBN13 : 978-2-7177-2480-6Tirage : 2 500 ex. Exposition site Tolbiac du 29 mars au 26 juin 2011 La Bibliothèque nationale de France est heureuse d'accueillir Richard Prince dans ses murs, à partir de mars 2011. Artiste américain de réputation internationale, particulièrement célèbre pour ses photographies de cow-boys des campagnes publicitaires Marlboro ou pour sa série de toiles de nurses , il est le créateur qui raconte le mieux l'Amérique fin de siècle. L'exposition Richard Prince, American Prayer (en référence à la poésie de Jim Morrison) montrera un aspect inédit de l'artiste : un fervent bibliophile et collectionneur de la culture pop et des contre-cultures américaines des années 1950 à 1980, qui sont autant d'inspiration pour son oeuvre de photographe et de peintre. Richard Prince nous fait voyager dans une Amérique qui se joue de ses mythes dans une succession de mises en scène beat, hippie et punk. En dialogue avec une sélection de livres rares, de manuscrits de Rimbaud, Céline, Cocteau et Genet, de magazines underground européens, de livres populaires puisés dans les collections de la BNF, l'artiste dévoile pour la première fois quelques-uns des trésors de sa bibliothèque personnelle : des documents des principales figures de la beat generation , comme un exemplaire annoté par William Burroughs du Festin Nu ou le rouleau manuscrit de Big sur de Jack Kerouac, sa collection de pulp fiction autour du personnage érotique et troublant de l'infirmière, ou sa collection des éditions de Lolita de Nabokov en une vingtaine de langues. Tableaux, dessins, photographies, livres d'artistes, manuscrits et objets viennent illustrer ce catalogue entre culture savante et culture populaire, entre Amérique et Europe, selon une démarche artistique originale. Les auteurs :Robert Rubin, Jeffrey Rian et Marie Minssieux
Ce volume de 640 pages présente les dessins et croquis que réalisa l'artiste Lee Lozano entre 1958 et 1964, période charnière dans le développement de son oeuvre. Ses croquis explorent la question du genre et du corps à travers la représention d'outils érotisés et humanisés.
Kerry James Marshall est un artiste et professeur américain, connu pour ses peintures de personnages noirs. Il a auparavant enseigné la peinture à la School of Art and Design de l'Université de l'Illinois à Chicago.
Présentant des peintures de séries réalisées sur une période de 15 ans, de 1994 à 2009, ce volume retrace l'engagement de Mike Kelley (1954-2012) avec le médium à travers des corpus d'oeuvres dont The Thirteen Seasons (Heavy on the Winter) , une série de peintures formelles sur bois qui marqua le retour de Kelley à la peinture en couleur, la série Horizontal Tracking Shots, ainsi que des oeuvres à l'illustration du système éducatif.
