La référence sur l'histoire de l'art dans un nouveau format de poche, avec une nouvelle préface de la petite-fille de l'auteur.
Histoire de l'art est un best-seller dans le monde entier depuis plus de soixante-dix ans. Attirés par la simplicité et la clarté de son propos, les lecteurs de tous âges et de tous horizons ont trouvé dans le professeur Gombrich un maître qui allie savoir, sagesse et un don pour transmettre sa passion pour le sujet. Remis au goût du jour, avec une nouvelle couverture et une préface de Leonie, la petite-fille du professeur Gombrich, ce format de poche confirme le succès de cette oeuvre classique auprès des amateurs d'art et va devenir un ouvrage de référence pour les générations futures.
Marcel Marceau a profondément marqué l'art du mime avec Bip, personnage qu'il a inventé et porté sur les scènes du monde entier pendant soixante ans. Il inspirera, entre autres, le moonwalk de Michael Jackson et les chorégraphies de David Bowie. Quelques années avant sa mort, il confia à ses enfants un manuscrit, dans lequel il relate sa vie, de son enfance heureuse à Strasbourg au début de sa carrière internationale en passant par la guerre et ses années dans la Résistance. Le livre paraîtra à l'occasion du centenaire de sa naissance et sera agrémenté de 150 documents inédits, d'une préface rédigée par ses filles, d'une chronologie biographie et d'une bibliographie exhaustive.
Avez-vous déjà vu La Cène de Léonard de Vinci incarnée par des drag-queens ? Imaginé l'envers du tableau Les Demoiselles d'Avignon de Pablo Picasso? Contemplé La Grande Vague de Kanagawa de Katsushika Hokusai reconstituée en particules de plastique, témoins de notre consumérisme ?
Artjacking !, le livre réalisé d'après la série diffusée sur Arte.tv, réunit des chefs-d'oeuvre de la préhistoire au début du XXe siècle, dont les artistes contemporains se sont largement inspirés pour les pasticher, les détourner, les réinterpréter. Revisitant à leur façon ces pièces signées Diego Vélasquez, Théodore Géricault, Édouard Manet ou encore Yves Klein, ils se les approprient afin d'inventer leur propre langage. Mutation des personnages, modification des procédés artistiques, hybridation, critique politique ou sociétale, chaque artjacking se fait l'écho d'une époque, d'une cause. Cet ouvrage insolite, d'une grande diversité iconographique, invite à poser un autre regard sur l'art et la création contemporaine.
Une fabuleuse somme collective, un livre manifeste, un ouvrage de référence : telle est l'ambition de cet ouvrage co-construit par 160 autrices du monde entier qui présentent 300 femmes photographes, de l'invention du médium aux années 2000. Ainsi les portraits de chaque photographe ont été rédigés par des femmes de toute nationalité pour se prémunir de l'écueil d'un regard "occidentalo-centré". Les séquences de portraits alternent avec des portfolios qui font dialoguer les oeuvres entre elles.
Le monde de l'art contemporain peut paraître extrêmement déconcertant : d'énormes sommes d'argent, une liste infinie d'artistes à l'échelle mondiale et une gamme illimitée de formes et d'approches. Comment s'y retrouver dans tout cela ?Ce guide vous y aide en abordant certaines des grandes questions qui animent le monde de l'art : Comment en est-on arrivé là ? Quelles sont les règles du jeu ? Que font les artistes toute la journée ? Où trouvent-ils leur inspiration ? Quelles sont les histoires qu'ils racontent et comment ces histoires reflètent-elles notre société contemporaine ?À travers une contextualisation des importants héritages du XX? siècle qui ont influencé la pratique récente et des analyses d'oeuvres issues du monde entier, cet ouvrage vous emmènera dans l'esprit des artistes : un outil parfait pour apprendre à s'amuser avec l'art contemporain.
Chronorama. Trésors photographiques du XXe siècle offre un panorama de l'histoire de l'art et de la mode à partir des archives de la Collection Pinault et de Condé Nast. Cet ouvrage de référence rassemble plus de 400 images, signées par les plus grands noms de la photographie - Irving Penn, Helmut Newton, Horst P.Horst, LeeMiller, Edward Steichen... - pour Mademoiselle, House & Garden, Glamour, GQ, Vanity Fair et Vogue.
Dès son titre, l'ouvrage annonce le tournant opéré par la modernité. Benjamin montre dans cet essai lumineux et dense que l'avènement de la photographie, puis du cinéma, n'est pas l'apparition d'une simple technique nouvelle, mais qu'il bouleverse de fond en comble le statut de l'oeuvre d'art, en lui ôtant ce que Benjamin nomme son "aura". C'est désormais la reproduction qui s'expose, mettant en valeur la possibilité pour l'oeuvre d'art de se retrouver n'importe où. Capacité à circuler qui la transforme en marchandise. Benjamin met au jour les conséquences immenses de cette révolution, bien au-delà de la sphère artistique, dans tout le champ social et politique. Avec le cinéma, c'est la technique de reproduction elle-même qui désormais produit l'oeuvre d'art. Là, c'est l'image de l'acteur qui devient marchandise, consommée par le public qui constitue son marché. La massification du public de ces oeuvres a servi les totalitarismes. D'où "l'esthétisation de la politique" encouragée par le fascisme et la "politisation de l'art" défendue par le communisme.
300 femmes peintres d'exception sur près de cinq siècles réunies dans un seul ouvrage.
Livre événement, qui fait suite au succès de 400 femmes artistes publié par Phaidon, 300 femmes peintres s'attache à dévoiler une version plus riche et plus diversifiée de l'histoire de la peinture. Couvrant près de 500 ans de technique et d'innovation, cette étude célèbre le travail de plus de 300 femmes artistes, des noms emblématiques de l'histoire de l'art aux figures montantes de l'art contemporain.
Catalogue consacré aux voyages de l'artiste américaine Patti Smith sur les traces d'A. Rimbaud, A. Artaud et R. Daumal, effectués avec Soundwalk Collective, collectif travaillant sur le son expérimental à partir d'une approche anthropologique, ethnographique et psycho-géographique basée sur des parcours et des explorations. L'ouvrage montre aussi un grand collage mural réalisé pour l'exposition.
Si les femmes ont toujours été présentes dans l'histoire de l'art, elles ont longtemps été oubliées et cantonnées à des rôles de muses ou de modèles. Mais c'était sans compter avec le talent et l'audace de certaines d'entre elles qui se sont affranchies des codes en défiant les règles et en repoussant toujours plus loin les limites afin d'ouvrir les portes d'un nouvel univers sans frontière et sans interdit.
De Martine Aballéa à Sophie Calle, en passant par Nan Goldin, Tracey Emin, Yoko Ono, Orlan, Cindy Sherman, Lee Bul... autant de profils atypiques et de représentantes emblématiques dont la seule raison d'être est de toujours se réinventer.
Richement illustré, cet ouvrage retrace et analyse le parcours de figures majeures féminines du monde entier. D'où vient leur inspiration ? Quel procédé et technique utilisent-elles ? Quelles sont leurs oeuvres emblématiques ?
Le R&B arrive en France au début des années 1990 et même si la TV, les médias et la critique ont souvent multiplié les malentendus à son égard, sa version francophone simpose peu à peu dans le paysage. Dans ce premier livre à lui être consacré, Rhoda Tchokokam montre la richesse non seulement dun R&B en français, mais du R&B français comme genre à part entière, qui doit notamment son originalité à la façon dont il sest formé grâce à des allers-retours entre lAmérique du Nord, lEurope, les Antilles et lAfrique. En sappuyant sur la parole des principales actrices et acteurs de ce mouvement (de N-Groove à Matt Houston), elle en propose une histoire culturelle ambitieuse. Sa passion pour les chansons de R&B français croise en permanence lanalyse de leur dimension politique : elle examine aussi bien leur manière dassumer la sexualité que leurs injonctions à la pudeur, les stratégies de formatage commercial que laffirmation dune sororité noire dans les clips.
Cette exposition et la publication qui l'accompagne tracent et retracent les relations entre l'art et l'activisme de la lutte contre le VIH/sida dans certains contextes, et les généalogies entre des générations d'artistes qui créent des liens affinitaires entre les années 1980 et aujourd'hui.
Façonnée par l'émergence du féminisme de la deuxième vague, la pratique artistique de Miriam Cahn affronte la matérialité du corps et nous confronte à des préoccupations sociopolitiques présentes dans l'actualité. À la fois obsédantes et ambiguës, les oeuvres de Miriam Cahn explorent différents aspects de notre réalité corporelle : abjection, vulnérabilité, ignobilité, et nous incitent à regarder en face des événements dont nous sommes si souvent désireux de détourner le regard. L'artiste dresse ainsi un éventail d'images contemporaines de notre humanité et introduit des réflexions à propos des systèmes de violence, du pouvoir, du nucléaire, du féminisme ou de la sexualité.La publication Miriam Cahn, Ma pensée sérielle accompagne la première grande exposition de cette artiste suisse en France. Il s'agit d'une collection de textes qui, plutôt que d'analyser et d'expliquer son oeuvre, lui laissent la parole ou permettent à d'autres d'y répondre.
En 2012, le marchand d'art Yvon Lambert fait la donation à l'État français d'un ensemble unique de près de 600 oeuvres de sa collection personnelle, constituée principalement d'oeuvres acquises auprès des artistes qu'il exposait dans ses galeries de Vence, de Saint-Germain-des-prés puis de New York. Au-delà d'une «belle collection», dont l'intérêt historique majeur légitimait que le Centre national des arts plastiques en accepte la donation, c'est une collection des plus originales et intimes qui s'offre à la vue de tous, une «succession d'émotions» acquise durant près de soixante-dix ans par un homme passionné et audacieux, à l'écoute des soubresauts de l'histoire de son temps. La Donation Yvon Lambert reflète cette clairvoyance du galeriste qui introduisit auprès d'un public français plusieurs générations d'artistes qui seraient certainement restés méconnus dans l'Hexagone sans son intervention. C'est pourquoi elle constitue un enrichissement exceptionnel pour les collections publiques françaises tant en quantité qu'en qualité. La volonté du collectionneur de partager «sa seule fortune» s'incarne également par l'ouverture au public en 2000 d'un lieu dédié dans sa Provence natale, à Avignon, et la mise en oeuvre d'une proposition culturelle singulière dont la fonction sociale est clairement revendiquée.
L'ouvrage, coédité par le Centre national des arts plastiques (Cnap), la Collection Lambert et les Éditions Dilecta, donne à voir un choix d'oeuvres emblématiques de la donation et à comprendre les évolutions, depuis les années 1960 jusqu'à nos jours, du monde de l'art occidental, comme le soulignent les contributions inédites des historiens de l'art invités à porter leur regard sur cet ensemble exceptionnel.
De février à septembre, de l'hiver à l'automne, le cycle d'exposition "Avant l'orage", présentée par la Collection Pinault, invite à un cheminement, de l'ombre à la lumière, à travers des installations et des oeuvres emblématiques pour certaines, inédites pour d'autres, d'une quinzaine d'artistes, qui s'emparent de tous les espaces de la Bourse de Commerce. Sur fond de déréglement climatique, dans l'urgence du présent, avant que l'orage à nouveau n'éclate, les artistes de l'exposition inventent des écosystème instables figurant d'inédites saisons.
Depuis deux décennies, le dessin suscite un intérêt grandissant auprès du public, des institutions et des artistes. Dépassant le cadre de l'es¬quisse et du croquis, il constitue un art à part entière et se déploie sur de multiples surfaces.
Présentant le travail de 80 artistes - femmes et hommes - contem¬porains, Barbara Soyer dresse dans ce livre un panorama surprenant et varié du médium. L'ouvrage multiplie les approches et donne de l'espace à des voix plurielles, qui traduisent la liberté et la richesse du dessin contemporain.
Dessins préparatoires, autonomes, figuratifs, abstraits, quasi photo¬graphiques, picturaux, en volume, en noir et blanc ou en couleurs ; tra¬vaux à l'encre, au pastel, à l'aquarelle ou à la gouache ; oeuvres sur papier, toile, carton, mur ou textile : les créations dévoilées dans ce livre disent toutes quelque chose de ce que sont le dessin et le monde d'aujourd'hui.
La revue Habitante sonde l'architecture et ses périphéries, son débordement par l'écologie, la façon dont les habitant·e·s imaginent, façonnent le monde et en prennent soin. De la maison à l'infrastructure, de la forêt urbaine à la smart city, de la campagne à la métropole. Au sommaire du n°4 : L'exorcisme des glaciers (sur le passage des récits d'alpinisme à la personnalité juridique des montagnes) par Andrew Toland , Mall Zombie (la décadence du mall américain au prisme de Romero, de la vapworvave et du COVID), par Alexandra Lange ,L'exorcisme des glaciers (des récits d'alpinisme à la personnalité juridique des montagnes) par Andrew Toland , Mall Zombie (la décadence du mall américain au prisme de Romero, de la vapworvave et du COVID), par Alexandra Lange , Le goût de la pierre (une visite érotique et érudite de la Grotta Grande à Florence) par Galaad Van Daele , Nidification (sur les spa pour hirondelles en Thailande), par Miléna Charbit.
Oiseaux est une volière réunissant près de 200 dessins réalisés par Jochen Gerner entre février 2019 et septembre 2020. Chacun de ces oiseaux a été dessiné au feutre à encre de Chine pigmentée sur des cahiers d'écoliers petit format, originaires de Chine et d'Inde, sur lesquels apparaissent des lignes et carreaux de différentes tailles.
Cette série de dessins constitue une expérimentation graphique visant à explorer les potentialités de la trame, la superposition des traits, et l'association d'un nombre réduit de couleurs dans la création des plumages. En mêlant oiseaux rêvés et réels, cet inventaire interroge les liens entre imaginaire et réalité dans notre vie quotidienne, et nous enseigne que le fantastique se niche le plus souvent dans la réalité du quotidien.
Dans le cadre de cette recherche graphique, Jochen Gerner s'est inspiré du travail de certains illustrateurs du XVIIIe siècle comme celui de François-Nicolas Martinet, qui avait pour habitude de représenter les oiseaux de profil, leur afférant ainsi un caractère noble et raide, contrastant avec la force et l'aspect lumineux des couleurs
Si Audimat publie des essais dignes des meilleures enquêtes en sciences humaines et sociales, elle représente plus qu'une revue d'analyse des musiques populaires. A la recherche à la fois de plus de sensibilité et de plus de politique dans le discours sur la musique, elle s'intéresse à la façon dont la vie résonne avec elle, et insiste sur la subjectivité critique et les savoirs situés. Avec son format livre de poche aux couvertures colorées, elle constitue un objet pop qui rend les styles musicaux des plus incontournables aux plus inattendus accessibles pour un large lectorat, en même temps que la sensibilité et la pensée qui les accompagnent.
Des objets incongrus, des gestes excentriques, mais aussi des photographies, des vidéos et des peintures de facture traditionnelle, voilà ce qui constitue l'art contemporain. Quelquefois, ces oeuvres étonnent ou choquent. Elles suscitent en même temps la curiosité, au point de s'y perdre un peu. Aussi, pour qui s'aventure dans le monde de l'art, l'auteure de ce livre fournit des repères et suggère quelques pistes de réflexion. Depuis quand l'art «moderne» est-il devenu «contemporain» ? Pourquoi les artistes ont-ils voulu transformer le rapport des spectateurs avec les oeuvres ? Et quand les frontières avec la mode, l'architecture ou même des objets rituels deviennent floues, peut-on encore faire entrer cet art dans une définition ?Ce livre révèle en quoi l'art contemporain est avant tout un espace ouvert, une aire de liberté pour penser et agir différemment quand les idéologies et les systèmes philosophiques qui nous guident sont en crise.
Bloom est un livre circulaire dont les pages s'ouvrent comme des pétales et font apparaître un délicat bouquet de fleurs. Couleurs vives et pastel, superpositions : il suffit de déployer l'ouvrage de Julie Safirstein pour entrer dans un jardin poétique et chromatique. Ce livre pop-up tout en plis fait appel au jeu et à l'imagination.
L'oeuvre de Gustave Le Gray (1820-1884) est l'une des plus considérables du XIXe siècle, dont l'histoire de l'art retiendra qu'elle constitue une puissante source d'inspiration de la révolution impressionniste. Grand inventeur de techniques, membre de la célèbre Mission héliographique en 1851, chargée de l'inventaire des monuments français, c'est au cours de ses pérégrinations qu'il développera la série de marines faites en Normandie et à Sète, considérées comme des pièces maîtresses de l'histoire de la photographie.
Anticiper les basculements du médium photographique et l'évolution des nouvelles technologies, proposer à tous les publics de faire l'expérience de l'image : telles sont les ambitions des Rencontres d'Arles, qui cette année auront lieu du 4 juillet au 25 septembre, déployant divers champs :
Reconnaissance des femmes photographes ; nombreux seront les lieux d'exposition habités par leur rayonnement et leur créativité : de figures historiques de la photographie à la découverte d'artistes oubliées ou méconnues, jusqu'à l'émergence de jeunes talents / Présence de la danse / La mémoire du colonialisme et de ses traumatismes / La nature et la lutte des peuples pour protéger les terres ancestrales sont aussi à l'honneur.